La Música y la Pintura.   2005                                                    
 

 

Música y pintura han sido a lo largo de la historia, discretos acompañantes. Si no muchas veces manifiesta, sabemos que una se ha alimentado de la otra desde siempre. Los movimientos artísticos se han encargado muchas veces de dicha simbiosis; son los movimientos quienes definen a las obras, a los artistas y a los muchas veces a mismos procesos de creación. Movimientos como el Romanticismo, Impresionismo, Expresionismo, Minimalismo, entre otros, se han encargado de crear caminos y brechas de unión entre ambas. Aunque intelectuales, estos caminos no dejan de ser reales y dignos de ser descubiertos.

   Los movimientos artísticos muchas veces se generan y desarrollan dentro de un proceso muy concreto de creación, como puede ser la Literatura, y de ahí esparcirse a otras formas como la Música, la Pintura, etc. Un caso conocido es el Surrealismo, que de generarse en la Literatura, encontró en la pintura su lado más fructífero.

   El Romanticismo dominó el escenario artístico a finales del siglo XVIII y siglo XIX, aunque su influencia se siguió sintiendo hasta principios del siglo XX, sobre todo en el ámbito musical. Este Movimiento surgió como una negación al Racionalismo impulsado por la Ilustración. 

   Las Variaciones Enigma Op. 36  de Edward Elgar (1857-1934), son ejemplo de la intensidad y emotividad del Romanticismo. Cada variación, inspirada en amigos y conocidos suyos, no podría ser más personal.

   Es la era del individuo, Imaginativa y subjetiva, de la intensidad emocional y los sentimientos profundos. William J. Turner (1775-1851) aunque tiene la visión más radical de los románticos -su obra más tardía, es precursora del Impresionismo y el arte abstracto- su obra está llena de melancolía, emotividad e intensidad. En esta nueva era sin dioses, los hombre comunes toman el lugar de los verdaderos héroes.  

   Música y pintura, amantes distantes que no se olvidan. Claude Debussy (1862-1918), tal vez lo entendió mejor que nadie. El más conocido representante del Impresionismo musical, nos muestra en algunas de sus obras, el más claro ejemplo de la luz y sus matices. Al escuchar Preludio al sueño de un fauno, es imposible no imaginar el plácido descanso del fauno en el caer de la tarde, al lado de un estanque pintado por Claude Monet (1840-1926), Ninfeas(1920) . En esta última, es imposible decir donde termina el color y comienza la armonía musical.

   El Expresionismo, es hijo del Romanticismo. Gestado en Alemania a principios del siglo XX, sale en la búsqueda del mundo interior y sus tragedias; es intenso, apasionado y personal. Edvard Munch (1863-1944), en El grito aunque  anterior al  movimiento es clave para el mismo ; pincelada violenta y color dramático. Arnold Schoenberg (1874-1951) y su Noche transfigurada op. 4, es el magnifico escenario del dramatismo y la transfiguración de un amor inquebrantable.

   La ausencia de expresión, reducción a lo esencial, eso es el Minimalismo. Corriente que se desarrolló en los ríos de la modernidad, principalmente en los Estados Unidos en los años 60´s y 70´s del siglo XX. Philip Glass (1937) y su geometrismo musical, es el mejor ejemplo del movimiento. Música esquemática, ordenada, ausente de variaciones y repetitiva. Otro ejemplo es Henrik Górecki (1933) y su Sinfonía No.3 -de las lamentaciones- que aunque muchas veces erróneamente asociada al movimiento "new age", su falta de "adornos" es ejemplo del pudor minimalista. Agnes Martin (1912) y su pintura ausente de representatividad y emotividad, llevan a la mirada al punto de la contemplación. Un instante que se repite así mismo, hasta volverse infinito. 

   El acercamiento entre Música y Pintura puede ser más cercano y directo que el compartir tendencias y conceptos. Existen varios ejemplos de esa aproximación.

   Wassily Kandinsky, creador de la escuela pictórica El jinete azul creó lo que se supone un tratado de colores, donde hace una comparación entre las vibraciones sonoras -musicales- y el color. Johannes Itten, maestro de la Bauhaus y colega de Kandinsky, creó un sistema que dividía los colores fríos y calientes, según las tonalidades. Otro ambicioso proyecto fue el de Henri Lagresille, en el que trató de traducir en color a los acordes musicales de obras maestras de la música clásica.

   El pintor Piet Mondrian (1872-1944), también fue influenciado por la música. Cuando se trasladó a Nueva York en 1940, su estilo dejó la rigidez de las líneas para abrazar los trazos libres y un ritmo más suelto, claramente influenciado por los ritmos del Jazz. Schoenberg, de quien ya nos referimos, también pintaba y junto con varios artistas, exhibió sus cuadros en el círculo de Kandinsky. Modest Músorgski, compuso la suite para piano cuadros de una exposición  (1864)  como conmemoración de su amigo cercano, arquitecto y pintor Viktor Hartmann. En 1874 un año después de la muerte de Hartmann, se montó una exhibición en su honor, Cuadros de una exposición ilustra musicalmente la visita que hizo el músico. La Suite incorpora piezas musicales que representan 10 de las imágenes de Hartmann.

   El caso de Músorgski, es ejemplo claro de lo que se llama Música Programática, cuya inspiración es extra musical. Pueden ser ideas abstractas, dramas, leyendas, fenómenos naturales, literatura, etc. La Noche transfigurada es también música programática, pues está inspirada en un poema. A diferencia de la Música, la Pintura es Programática por naturaleza, pues nace casi siempre de eventos que van más allá del acto de pintar. 

    La pintura abstracta y la música fueron hechas la una para la otra, pues la música es la más abstracta de las artes. En mi trabajo. Las pinturas de la Serie Opus, son descripciones emocionales, mejor dicho, paisajes emocionales que encuentran salida a través de la música. La elección de las piezas musicales, es emotiva y de gusto intelectual, pero más que nada es el simple disfrute de la música y las primitivas emociones que evoca.